About

Né en 1991 à Montpellier, Gébraël évolue dans un environnement où la transmission manuelle et la culture écrite cohabitent. Cette double influence — le geste et le langage — structure durablement son approche artistique.

Séduit par le sentiment de liberté du mouvement Graffiti, il commence un parcours artistique marqué par l’urgence du geste, la répétition, l’effacement et la prise de risque. Le tag, forme première et radicale, devient pour lui un acte d’affirmation d’existence autant qu’un laboratoire visuel. Cette pratique hors cadre marque alors profondément son rapport à l’image, au support et à l’espace public, tout en définissant le socle de sa réflexion : comment faire exister une forme dans un monde qui cherche à la recouvrir, la neutraliser ou l’oublier ?

À partir de 2010, une transformation physique liée à une dépigmentation de la peau agit comme un déplacement du regard porté sur le corps, le visible et l’impermanence. Ce qui fut d’abord vécu comme une altération devient vite une source d’inspiration esthétique et spirituelle, renforçant une réflexion déjà engagée sur l’apparition, la disparition et la fragilité des apparences.

Depuis 2018, son travail pictural évolue à la frontière de l’abstraction et du figuratif. Il convoque la paréidolie — cette capacité instinctive à reconnaître des figures familières dans des formes indéterminées et chaotiques — comme un outil central de création et de réception. Ses peintures ne proposent pas d’images closes, mais des champs ouverts, des paysages mentaux où formes organiques, surgissements iconiques et accidents de matière coexistent. Le regard du spectateur, déstabilisé mais jamais passif selon lui, est sollicité activement : chacun est invité à projeter, reconnaître, douter et recomposer.

Cette attention portée au regard s’articule autour de deux questions fondatrices : qu’est-ce qui nous pousse à regarder, et qu’est-ce qui nous pousse à détourner les yeux ? Ces interrogations mettent en jeu une réaction intime entre le corps qui perçoit et l’esprit qui interprète, révélant un rapport au monde façonné par le mouvement, l’évitement, la saturation des images et la tentation du zapping.

Cette dialectique du visible traverse l’ensemble de son œuvre. À l’image des « bugs visuels » dans un système numérique, il s’intéresse aux failles du réel : anomalies perceptives, accidents, zones de rupture où la réalité semble se fissurer. Ces discontinuités — scientifiques, philosophiques ou sensibles — deviennent des points d’appui plastiques, des lieux où l’image se dérobe autant qu’elle se révèle. Ses peintures fonctionnent ainsi comme des arrêts sur image, des zooms presque voyeuristes sur des moments de bascule : changements d’état, passages de la vie à la disparition, du chaos à l’organisation provisoire.

Il considère l’accident comme un moteur essentiel de transformation et de renouvellement pictural. Pour lui, une œuvre ne se contrôle pas entièrement – elle naît d’une interaction complexe entre intention, matière, environnement, gestes conscients et réflexes inconscients – et devient une anamorphose de l’idée initiale, transformée par une multitude de paramètres souvent invisibles

Son travail est traversé par une certaine conscience du monde contemporain : solastalgie, désillusion, violence diffuse, saturation des images. Le mot « Décadence », récurrent dans son univers, agit autant comme un constat que comme un symptôme. Entre engagement sensible et poésie chaotique, ses œuvres proposent une traversée instable, sur une ligne de crête où création et destruction coexistent, invitant le spectateur à activement affronter ce qui vacille plutôt qu’à l’ignorer.

Il travaille actuellement dans le sud de la France et développe plusieurs projets différents tout en dévoilant un univers artistique en constante évolution.

Born in Montpellier in 1991, Gébraël developed in an environment where manual transmission and written culture coexisted. This dual influence—gesture and language—had a lasting impact on his artistic approach.

Seduced by the sense of freedom in the graffiti movement, he embarked on an artistic journey marked by the urgency of gesture, repetition, erasure, and risk-taking. Tagging, a raw and radical form of expression, became for him both an act of affirming his existence and a visual laboratory. This unconventional practice had a profound impact on his relationship with images, media, and public space, while also defining the basis of his thinking: how can a form exist in a world that seeks to cover it up, neutralize it, or forget it?

Starting in 2010, a physical transformation linked to skin depigmentation shifted his perspective on the body, the visible, and impermanence. What was initially experienced as an alteration quickly became a source of aesthetic and spiritual inspiration, reinforcing an ongoing reflection on appearance, disappearance, and the fragility of appearances.

Since 2018, his pictorial work has evolved at the frontier between abstraction and figuration. He invokes pareidolia—the instinctive ability to recognize familiar figures in indeterminate and chaotic forms—as a central tool of creation and reception. His paintings do not offer closed images, but open fields, mental landscapes where organic forms, iconic surges, and accidents of matter coexist. The viewer’s gaze, destabilized but never passive in his view, is actively solicited: each person is invited to project, recognize, doubt, and recompose.

This focus on the gaze revolves around two fundamental questions: what compels us to look, and what compels us to look away? These questions bring into play an intimate reaction between the body that perceives and the mind that interprets, revealing a relationship with the world shaped by movement, avoidance, image saturation, and the temptation to zap.

This dialectic of the visible runs through his entire body of work. Like “visual bugs” in a digital system, he is interested in the flaws of reality: perceptual anomalies, accidents, areas of rupture where reality seems to crack. These discontinuities—scientific, philosophical, or sensory—become points of artistic support, places where the image both hides and reveals itself. His paintings thus function as freeze frames, almost voyeuristic zooms on moments of transition: changes of state, passages from life to disappearance, from chaos to provisional organization.

He considers accidents to be an essential driver of transformation and pictorial renewal. For him, a work of art cannot be entirely controlled—it arises from a complex interaction between intention, material, environment, conscious gestures, and unconscious reflexes—and becomes an anamorphosis of the initial idea, transformed by a multitude of often invisible parameters.

His work is permeated by a certain awareness of the contemporary world: solastalgia, disillusionment, diffuse violence, image saturation. The word “Decadence,” which recurs throughout his universe, acts as much as an observation as a symptom. Between sensitive engagement and chaotic poetry, his works offer an unstable journey along a ridge where creation and destruction coexist, inviting the viewer to actively confront what is wavering rather than ignore it.

He currently works in the south of France and is developing several different projects while unveiling an ever-evolving artistic universe.