L’ART DU CHAOS
A TRAVERS L’ABSTRACTION ORGANIQUE
Mon travail est axé sur une allégorie abstraite de mes sentiments. Il se dirige aujourd’hui vers la traduction graphique de paysages mentaux qui trouvent leurs attributs dans des représentations concrètes -formes, couleurs, consistance- des idées théoriques qui traversent ces sentiments.
L’origine de cette série d’œuvres picturales prend forme à partir de deux questions : Qu’est-ce qui nous fait regarder quelque chose et qu’est-ce qui nous fait en détourner le regard ?
Ces deux questions sont à mon sens profondément existentielles. Elles impliquent notre regard dans une action irrévocable : celle de savoir ou d’ignorer. Ces interrogations définissent également les contours, grâce à la vérité des réflexes oculaires et physiques, d’un certain rapport au monde. Mais surtout, ces questions provoquent une réaction chimique entre le corps qui regarde et l’âme qui comprend et décide ou non d’ignorer ce qu’elle perçoit. C’est ce dernier cas qui m’a intéressé au plus haut point.
« La peinture, c’est mon pays » disait Gilles Vigneault. C’est aussi le mien je crois. Je me dis souvent que ce pays, je me dois de le chérir pour toujours, le protéger si besoin, le quitter si j’en ai envie, et le venger à chaque instant.
Oeuvres originales réalisées en 2025.
Texte de présentation de l’exposition ci-dessous.
THE ART OF CHAOS
THROUGH ORGANIC ABSTRACTION
My work is based on an abstract allegory of my feelings. Today, it’s moving towards the graphic translation of mental landscapes that find their attributes in concrete representations – shapes, colors, consistency – of the theoretical ideas that run through these feelings.
The origins of this series of pictorial works lie in two questions: What makes us look at something, and what makes us look away from it?
To my mind, these two questions are profoundly existential. They involve our gaze in an irrevocable action: that of knowing or ignoring. These questions also define the contours of a certain relationship to the world, thanks to the truth of our ocular and physical reflexes. Above all, these questions provoke a chemical reaction between the body that looks and the soul that understands and decides whether or not to ignore what it perceives. It’s the latter that interested me most.
“Painting is my country” said Gilles Vigneault. I think it’s mine too. I often say to myself that I must cherish this country forever, protect it if need be, leave it if I feel like it, and avenge it at every tur
Original artworks painted in 2025.
Text of the exhibition presentation below.
La plupart du temps, le mouvement attire le regard. En convoquant une abstraction organique et en choisissant de représenter des explosions, des détonations, des éclats, des déflagrations, j’ai cherché à recréer des mouvements qui puissent attirer les regards vers l’intérieur, vers l’intime de chacun. La paréidolie, ce phénomène cognitif et psychologique, fera peut-être voir à certain.es d’autres choses.
Captiver le regard grâce au mouvement au milieu du vide, grâce à la couleur au milieu de la poussière, grâce à la vie au milieu de la mort est un procédé assez simple, plastiquement en tous cas. Cependant, montrer précisément l’endroit où les gens détournent le regard, comme pour chercher la stupéfaction, la même qui anime le regard des gens qui sont forcés de regarder là où ils ne veulent pas, requérait une recherche plus approfondie.
Et de nos jours où la propension à zapper caractérise le mal d’une époque, il était essentiel pour moi de proposer des pistes de solutions dans l’océan d’ignorance qui nous submerge peu à peu.
En utilisant la spontanéité du geste créatif libéré par le corps, et la confiance éprouvée dans les liens que ce même corps entretient avec l’âme, j’ai tenté de retranscrire un état d’esprit : celui d’un cheminement vers le désir, comme s’il fallait peindre les étapes d’un voyage intérieur.
En peignant ces différents arrêts sur image, ces sortes de zooms empreints de voyeurisme dans lesquels la vie se fige comme si elle quittait la toile, j’ai cherché à représenter ce qui captivait et révulsait à la fois. Le spectacle du changement d’état ; le retour fascinant de la construction vers l’organique est une réponse trouvée sur une ligne de crête que j’ai arpentée, qui sépare et relie à la fois création et destruction.
Cette ligne-guide m’a permis d’imaginer découvrir une quintessence du regard : un lieu de déchirement de soi, un moment de voyage intime où on se doit de prendre soin d’une certaine mémoire collective, en invoquant l’image la plus violente : celle qui restera dans la tête.
Comme lors de la découverte des avancées scientifiques majeures, c’est souvent dans l’accident qu’un éclat de beauté est révélé. Afin d’approcher au plus près l’essence de l’émotion et de l’imaginaire, il a fallu donc passer outre les étapes de dessins préparatoires et d’études graphiques préalables.
Les supports utilisés sont pour la plupart des panneaux empruntés directement à la rue dont l’usage a été détourné. La difficulté de créer sans esquisse, comme lorsque l’on tague illégalement dans la rue, a donc été exacerbée.
L’utilisation de l’aérosol, cet outil magique grâce auquel la peinture jaillit de l’index, s’est imposée de par son caractère spontané et fait suite à mon approche du Graffiti, expression artistique longtemps pratiquée : le tag a toujours été pour moi une manière de proclamer une existence, une vie. Cependant, le temps a fait son affaire, et l’égocentrisme que je reproche souvent au Graffiti a ici été matérialisé dans la pose de stickers « Décadence » (le nom que je me suis choisi, reflet d’une certaine vision globale du monde), autocollants déchirés et repassé par les lacérations colorées. Par-dessus ces vestiges, les traces de l’autre nom de l’aérosol : la bombe de peinture. L’outil était décidément tout trouvé et les explosions projetées appellent à faire alors table rase du passé et ouvre à un nouveau cosmos où tout reste à penser.
Enfin, dans ce monde en perpétuel changement, où l’obscurité gagne chaque jour du terrain, et dans lequel notre humanité n’en finit plus de se débattre, il était important pour moi de tenter de dégager certaines affirmations dans le flot de doutes permanents qui m’habitent.
Est-ce qu’on se protège vraiment lorsqu’on se met des œillères ? Pourquoi détourner le regard de l’horreur ? Lorsque les bombes explosent, les corps se disloquent et les bâtiments s’écroulent. Le regard a le pouvoir de comprendre. Fixer l’horreur dans les yeux ne réparera pas les dégâts causés, mais on peut espérer exorciser la douleur sans blesser les capacités d’une imagination profondément ancrée en nous et ainsi participer à une prise de conscience juste et globale, dont l’humanité a besoin.
La plupart des œuvres contiennent des solvants et des autocollants eggshell. Les premiers reflètent l’obsession chimique de toute société capitaliste visant à effacer – avec ou sans succès – les traces artistiques jugées trop subversives, tandis que les seconds font écho à une période de créativité tronquée par l’égotrip, traversée par l’auteur lorsque mettre son nom partout et le plus grand nombre de fois était un objectif en soi, objectif aujourd’hui délaissé.
Most of the time, movement attracts the eye. By invoking an organic abstraction and choosing to depict explosions, detonations, splinters and deflagrations, I sought to recreate movements that would draw the eye inwards, towards the intimate. Pareidolia, this cognitive and psychological phenomenon, may make some people see other things.
Capturing the gaze with movement in the midst of emptiness, with color in the midst of dust, with life in the midst of death, is a simple enough process, plastically anyway. However, to show precisely where people look away, as if in search of amazement, the same amazement that animates the gaze of people who are forced to look where they don’t want to, required more in-depth research. And these days, when the propensity to zap characterizes the evil of an age, it was essential for me to propose possible solutions in the ocean of ignorance that is gradually submerging us.
Using the spontaneity of the creative gesture released by the body, and the confidence felt in the links that this same body maintains with the soul, I tried to retranscribe a state of mind: that of a journey towards desire, as if it were necessary to paint the stages of an inner journey.
By painting these various freeze-frames, these voyeuristic zooms in which life freezes as if leaving the canvas, I sought to represent what both captivated and repulsed me. The spectacle of the change of state; the fascinating return of the constructed to the organic is an answer found on a ridgeline I’ve walked, which both separates and connects creation and destruction.
This line-guide allowed me to imagine discovering a quintessence of the gaze: a place of self-tearing, a moment of intimate travel where we must take care of a certain collective memory, by invoking the most violent image: the one that will stay in the mind.
As with the discovery of major scientific breakthroughs, it is often in the accident that a glimmer of beauty is revealed. To get as close as possible to the essence of emotion and imagination, we had to bypass the preparatory drawings and preliminary graphic studies. For the most part, the supports used were signs borrowed directly from the street, whose use had been hijacked. This exacerbated the difficulty of creating without a sketch, as when one tags illegally in the street.
The use of aerosol, that magical tool with which paint springs from the forefinger, was imposed by its spontaneous nature and follows on from my approach to Graffiti, a long-practiced artistic expression: tagging has always been for me a way of proclaiming an existence, a life. However, time has taken its toll, and the egocentricity I often criticize in Graffiti has here been materialized in the placement of “Decadence” stickers (the name I’ve chosen for myself, reflecting a certain global vision of the world), stickers torn and ironed by colored lacerations. On top of these remnants, traces of the other name for aerosol: the spray can.
The tool was definitely found, and the projected explosions call for a clean sweep of the past, opening up a new cosmos where everything remains to be thought.
Finally, in this world of perpetual change, where darkness is gaining ground every day, and in which our humanity continues to struggle, it was important for me to try to make certain statements in the flood of permanent doubts that inhabit me.
Do we really protect ourselves when we put blinders on? Why look away from horror? When bombs explode, bodies fall apart and buildings crumble. The gaze has the power to understand. Staring into the eyes of horror won’t repair the damage done, but it can hopefully exorcise the pain without hurting the capacities of an imagination deeply rooted in us, and thus contribute to a just and global awareness, which humanity needs.
Most of the works contain solvents and eggshell stickers. The former reflect the chemical obsession of any capitalist society to erase – successfully or unsuccessfully – artistic traces deemed too subversive, while the latter echo a period of creativity truncated by egotrip, experienced by the author when putting his name everywhere and as many times as possible was a goal in itself, a goal now forsaken.